About mariateresa sartori

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C Infinite

C Infinite, Loop, 2022, recording of a recorded radio sound

      1. Do infinito


Technically, these are fragments of chest C emitted by opera singers. These are recordings taken from the radio that I re-recorded to get the effect of distant, somewhat croaky sound of distant radio.

Having gone through the double recording shifts the emphasis from bel canto, the singing qualities of which we are no longer able to perceive, to the emission of sound, of human breath, and, since it is C di petto, the performative and assertive effort as a manifestation of power is evident, more than other notes.

The succession of C chest notes sung by different tenors proceeds in an ascending scale of tightness, that is, of duration in time and volume: the intent is to move gradually and almost inadvertently from an emission that expresses power, boldness, courage and heroism together, to a sound that is tinged with urgency, anguish, helplessness, gradually becoming a cry of alarm.

It is a succession without pause, without silence, eliminating the phase of inhaling air: everything becomes infinite emission, beyond time, leading to a place that has no beginning and no end: the work goes in a continuous cycle, just as it is proposed at the Studio G7 Gallery in Bologna. The sound source is hidden, the sound comes from nowhere, in a continuous crescendo and diminuendo, seamless.

Chigiana Radio Arte, talk with Federico Fusj, Mariateresa Sartori and Laura Lamonea on C Infinite,  5 August 2022


      2. Chigiana radioarte VII 2022, talk - Federuci Fusj - Mariateresa Sartori - Laura Lamonea




C Infinite2023-02-12T16:11:58+00:00

Evidence of Breath

Exhibition view Caterina Morigi Mariateresa Sartori, Galleria Studio G7, Bologna, 2022, curated by  Laura Lamonea, photo Alessandro Flamingo 


Evidence of Breath, 2022, each paper  30 x 30 cm, breath, charcoal powder,  pigments and glue on cotton paper, photo Alessandro Flamingo 

The breath creates a micro-world by mixing with matter. An invisible phenomenon is given evidence. By manifesting itself, it acquires concreteness and truth, giving it the dignity of a thing. The breath makes itself evident and also the surface on which it exhales, becoming one with the surface itself.
The spherical shape is not random: the beginning or end of the curve is not discernible, something special can happen at any point, circularity is beginning and end together, potentiality in its first state.

Emanuela Zanon in: Juliet, 23 May 2022: Mariateresa Sartori Caterina Morigi, about breath and lava














Evidence of Breath2022-10-31T09:46:03+00:00

Domestic Draughts

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Domestic draughts, 2022, a draught, charcoal powder and linseed oil on stone paper, 21 x 21 cm

Woollen brushes fixed from above and swinging like pendulums inside the house where, between window and window, between window and door, small domestic currents, tiny vortices can be created. The instrument thus employed is hypersensitive and registers even the faintest air movement. It is silvered charcoal. The concept of infinite variation is underlined by the large number of configurations that the draft produces. The variations are infinite, but not all variations are possible. What interests me is the dimension of a mechanical objectivity that operates beyond human intentions and outside their domain.

Exhibition view,  Caterina Morigi Mariateresa Sartori, Galleria Studio G7, Bologna 2022, curated by  Laura Lamonea, photo Alessandro Flamingo 

Exhibition view,  Caterina Morigi Mariateresa Sartori, Galleria Studio G7, Bologna 2022, curated by  Laura Lamonea, photo Alessandro Flamingo 

Domestic Draughts2022-10-29T18:54:02+00:00

5 Minutes of Wind

5 Minutes of Wind, 2022, each paper  30 x 30 cm, wind, charcoal powder, linseed oli on cotton paper ,  installation view, Galleria Michela Rizzo, Venice, (In)visible fields. Space as energy curated by Elena Forin, photo Sergio Martucci

Work realised using the anemometer, an instrument commonly used in meteorology to measure wind speed.
As is commonly the case in my work, I preferred empirical measurement to technological one and so I cut the anemometer’s data transmission cables and instead applied single strands of wool to each cup, which dipped in linseed oil carry, as they rotate, pushed by the wind, the charcoal powder lying on the paper. The anemometer is placed in the centre of the paper and exposed to the natural wind for 5 minutes. The circular pattern that emerges varies depending on the wind speed, its duration, any changes of course, interruptions or complete absence of propulsive thrust.

Work realised using the anemometer, an instrument commonly used in meteorology to measure wind speed.
As is commonly the case in my work, I preferred empirical measurement to technological one and so I cut the anemometer’s data transmission cables and instead applied single strands of wool to each cup, which dipped in linseed oil carry, as they rotate, pushed by the wind, the charcoal powder lying on the paper. The anemometer is placed in the centre of the paper and exposed to the natural wind for 5 minutes. The circular pattern that emerges varies depending on the wind speed, its duration, any changes of course, interruptions or complete absence of propulsive thrust.
What interests me is the tendency towards a mechanical objectivity, which is never completely achieved since the anemometer thus reworked is imbued with subjectivity. I am interested in the field of tension between the subjective and the objective. The transformation from technological to mechanical/empirical instrument counteracts the achievement of objectivity, which remains, however, an ideal to strive for, a tension towards.



photo Sergio Martucci 

photo Sergio Martucci

photo Sergio Martucci 

5 Minutes of Wind2022-10-29T19:01:55+00:00



video, loop, 2018, b/w, sound

with Kiki Dellisanti, Giovanni Dinello, Gustavo Frigerio, Antonella Mancino, Matilde Sambo

camera Furio Ganz, editing Mariateresa Sartori

music from Pyotr Ilych Tchaikovsky, Symphonie No 6 (Pathétique) op.74 in B minor director Yevgeny Mravinsky

thanks to: Ferruccio Busetto, Giorgio Busetto, Augusto Maurandi, Fabio Naccari, Lucia Veronesi, Fondazione Ugo e Olga Levi, Venezia

The Pathetic Ones, link to the video

The Pathetics move like puppets with motivations that elude us, passing from joy to despair, from fear to serenity, from aggression to desolation, abruptly, with no apparent motives other than internal ones made manifest by the music. They are driven by unconscious inner drives that determine dynamics, facts and destinies. Everything changes quickly and everything repeats itself in a kind of carousel without beginning or end. This is a work about human nature. We are “The Pathetics”.





THE PATHETIC ONES2022-10-16T19:37:59+00:00

Etude N.10 op. 25 Homage to Chopin 2021


Performers: Gustavo frigerio Mariateresa Sartori

piano: Vittorio Maggioli


                                                                                                                        ”…you are the music

                                                                                                                                  While the music lasts”

                                                                                                                                                         T.S. Eliot


This new version features the young talent Vittorio Maggioli at the piano and, as performers, actor Gustavo Frigerio and myself. I felt the need to take an active part, notwithstanding the admirable performance of the 2011 version with Paola Pasqual and Fausto Sartori. Conceptually nothing has changed from the previous version, which is why I attach texts, comments and reviews from 2011. 


Ever since I was a girl, I have had the strong sensation that certain pieces of Chopin were dialogues between people: were – not imitated or appeared to be.This work is the visual representation of this sensation. The relationship between music and language highlights the emotional, universally shared value of communication, while the specific content conceals it. The circularity of the musical excerpt which finishes exactly as it starts suggests a communication between people on an endless merry-go-round that goes nowhere. I had an important exchange with Roman Opałka about a key point of the video: He grasped something that could have been misleading regarding the concept driving me and it was he who suggested the solution which eradicated any misunderstanding. The video is dedicated to Roman Opałka, who did not get to see it with the solution he had suggested


Samuel Bordreuil, Mariateresa Sartori: Une main, entre retines et tympans

Kathy Battista, Drawn together: Katie Holten and Mariateresa Sartori

Eleonora Minna, Mariateresa Sartori
You are the music while the music lasts, Galleria Michela Rizzo, Venezia  



by Samuel Bordreuil, sociologist, former scientific director of IMéRA,  Institut d’études avancées d’Aix-Marseille


 « Entre rétines et tympans : ouvrez les vannes, toutes les vannes ! » 


Du divorce entre langage et musique et, en sous main, parce qu’il y va d’un clivage entre sonore et visuel, c’est peu dire que Mariateresa Sartori n’en n’ait jamais fait le deuil ! Deux de ces travaux précédents en sont en tout cas hantés : celui sur le « son de la langue », qui ravive les musiques propres à chaque langue ; celui sur « toutes les pauses du monde », qui exhausse la musicalité propre à chaque interlocution, en l’occurrence, les scansions, sonores, gestuelles d’un exercice familier, celui du « penser ensemble ».

Cette nostalgie de la musique dans la langue  on aurait tort de ne pas la prendre au sérieux ! C’est qu’elle fait revenir des états de conscience qui, bien qu’éloignés de nos sens, n’en sont pas moins là, encore, et « tout proches ». Cela peut se dire au plan « ontogénétique », au sens où la mémoire de la musique de la langue est ce par quoi, comme « petits d’homme », nous sommes tous entrés dans sa maîtrise (au prix, certes, de son oubli !)[7] Mais aussi au plan « phylogénétique » au sens où, à suivre Tim Ingold[8], il a en effet fallu attendre le milieu du moyen âge (post 11ème siècle) pour que le sens de  la notation musicale s’émancipe de la prosodie, la musique de la langue[9], en neutralisant la musicalité et libérant par contre coup la musique comme réceptacle de toutes les sonorités instrumentales, les voix étant priées de suivre, et leur heure venue … Sait-on, à ce propos et par exemple, que les premiers marqueurs d’inflexions musicales (utilisés dans les partitions) dont se servaient les pratiquants du « chant grégorien » étaient tout droit importés des marqueurs destinés à guider des proférations déclamatoires ; rien d’autre que des outils de l’art rhétorique ! …

En tout cas, l’accent des trois dernières pièces exposées de MTS s’en déduit : exhiber, raviver le sens que les alliages du sonore et du visuel régissent notre rapport au monde. Et pour ce faire, travailler avec minutie et ténacité sur deux lignes de flux, visuels et sonores – en fait, les « composer » dans un même espace réceptif. Dans ces trois pièces on verra que ce travail de composition « audio-visuelle », consiste surtout à plier le visuel sur le sonore ; mais on relèvera que les flux visuels qui entrent dans ces pièces sont parfois pré donnés, comme dans « Sol Majeur », le travail de l’artiste étant alors un travail de retouche et de montage ; mais parfois ne le sont pas, laissant à l’artiste un espace de liberté considérable quant à la création de ces lignes visuelles.


Que « Omaggio » reprenne ce même thème, on le relèvera simplement à partir du fait que l’illusion – magistrale – dans laquelle il nous aspire, eh bien elle n’est ni simplement sonore ou visuelle : elle exige au contraire pour sa prospérité l’exercice conjoint de ces deux sens !

On pourrait prendre cette pièce au plus humble, voire au plus ingrat. Ne la considérer comme rien d’autre qu’un problème de « doublage », comme au cinéma. Le problème du doubleur, celui qui est chargé de véhiculer un même sens expressif d’une langue 1 à une langue 2, est celui de conserver le sens, certes, mais en trouvant un équivalent linguistique, dans la langue 2, qui conserve l’identité rythmique de la profération du message … ce qui l’amènera très souvent à « gauchir » l’expression et à sacrifier une énonciation, certes vernaculaire – mais « out of synch » – au profit d’une autre, plus raccord du point de vue du débit verbal, mais un peu lâche du point de vue du sens[10].

A situer la pièce sur cet arrière plan, on voit bien ce qu’elle a en commun avec cet exercice – cette attention implacable aux mouvements des lèvres – mais aussi en quoi elle l’excède, résolument. Pour commencer, la langue 1 n’existe pas : sauf à soutenir qu’un « langage piano forte » existerait. Abondance, avalanche, de croches, demi croches et triple croches, certes, mais qui ne viennent coder là aucun sens. D’où la latitude sémantique offerte dans les proférations verbales  « raccords » avec la ligne musicale ! Mais cette latitude est le revers d’une médaille : délié de tout impératif de sens, imaginez un peu le « n’importe quoi » (sémantique) qui sort de ces bouches et la contrainte, qui pèse sur les acteurs, de les proférer quand même et malgré tout et avec toute la conviction requise. Ce qu’ils se disent, en rafales nerveuses, on ne le saura jamais et, nous dit MTS, même à sa mère elle ne le dira pas ! Ne pas insister, donc ! Plutôt se complaire dans la félicité d’une illusion, et d’autant que l’on voit/entend bien qu’elle est parfaitement réussie !

L’effet résultant ? On propose de le dire d’un mot: saisissant ! Et pour la double capture, le double rapt, qui s’y opère entre lignes visuelles et lignes musicales. Qui, quoi « happe » quoi ? Voilà peut-être son oscillation, son vertige central. Sont-ce les notes piano qui subtilisent des voix, à peine sorties et qui « n’en peuvent mais » ? Ou bien, ne serait-ce pas plutôt ces voix qui gonflent de leurs souffles, de leurs nuées d’orage, les voiles de l’allant pianistique, faisant remonter le fait que, autre chose que d’expressions d’humeurs, ni il ne l’a été, ni il ne le sera, cet « allant » …

La chose est encore plus fascinante du fait que la ligne visuelle, dans sa pureté formelle (profils, symétrie entre ceux ci), exhausse la nature parfaitement instrumentale (elle aussi) de ce qu’il en est de la phonation humaine. Ce n’est pas que, d’un coté (voix) on aurait du souffle, de l’intériorité, et de l’autre (piano) une mécanique, certes bien tempérée. Par exemple, l’ivoire ; Si, l’ivoire ! Est-ce qu’il ne faut pas le mettre des deux cotés ? Cet ivoire sur lequel on appuie, avec les doigts (et coté piano) mais contre lequel aussi (et coté dents) vient buter une langue. Ainsi, attrapez au vol, dans la vidéo, ces moments magiques où cette langue vient buter sur la barrière dentaire ; ces sons que la phonétique nomme des « labio-dentaux ». Vous savez, quand, pour un « t » et un « d », la pointe de la langue vient à toucher les dents : « ting » ; « ding » … Attrapez les au vol !


Si bien que les choses se compliquent parce qu’il s’avère qu’il y a autant de mécanique coté voix qu’il n’y a d’âme, coté piano. Et la « mécanique », n’est-ce pas, on ne la voit jamais si bien que quand elle s’emballe ! Ces dents-claviers, mais regardez les donc sur la fin de la pièce!  Quand les voix n’en viennent plus qu’à cracher des rafales, au point que, au comble de la dispute, le sens est alors ce que l’on se surprend à en couper, abasourdis de notes désormais libres, rendues à leurs flux. Oui, dans la vie, la vraie, il arrive souvent que nos tympans en viennent ainsi à crever le mur du sens … Une autre forme, donc, mais ici extrême, de résorption du langage en pure musicalité ; un des motifs majeurs, on l’a dit, des travaux de MTS, mais, cette fois ci non du coté d’une nostalgie de petit d’homme, mais de celui d’une sauvegarde, et quand les temps sont durs … et que l’orage gronde … De disputes extrêmes ne dit-on pas souvent que l’on en sort … sonné ?

Retenons ici, et avant de passer à la dernière pièce, que l’entrelacs visuel sonore, se noue ici à l’acmé de poussées de vie … Que ces lignes sonores aussi bien que visuelles, qu’elles codent ou non du sens, suivent la vie au plus près de ses flux et reflux : des fluctuations de ses débits !

Samuel Bordreuil




[7] De récents travaux en sciences du développement, montrent par exemple l’importance des berceuses dans l’apprentissage par les nourrissons de la segmentation linguistique.

[8] Tim Ingold, Lines,       voir notamment le chapitre 1

[9] Et renvoie cette dernière à la charge de la notation d’images (oui d’images !) mentales – les fameux « signifiés » de la linguistique saussurienne.

[10] D’où, sans doute, cet effet d’insolite des versions doublées : ces expressions que l’on y reçoit dont on sent bien qu’elles ne viennent pas de notre « humus linguistique ».


From the text:

Drawn Together: Katie Holten and Mariateresa Sartori

Kathy Battista, writer, curator, Director of Contemporary Art at Sotheby’s Institute of Art, New York


(…..) Sartori uses a different, but related means of mapping human interaction in a work that was originally projected on the large windows of the Greenhouse of the Venice Biennale Giardini in 2011, visible to all passersby. In her video Etude Op. 25 No. 10 in B Minor Homage to Chopin the partially obscured faces of a man and a woman are seen diametrically opposed in the frame. Their lips seem to mouth the notes to the dramatic notes on the piano. In one shot the male protagonist is positioned on the right side of the shot mouthing the forceful phrases while

the woman is on the left and corresponds to the more gentle, softer phrases of the music. This male aggressive/female passive scenario swaps after four minutes, with the female becoming the more forceful opponent in this abstract tête-à-tête. What looks like a dialogue then resembles escalation into an argument and back again. Sartori worked with the performers, who each used one sentence that is said repeatedly to appear as if mouthing the notes of the piece. The artist will never divulge what the sentence was; indeed, it is not important. What is paramount is how the piece speaks to the abstraction of language and the human interplay of communication. The figure on the right corresponds to the dominant side of the argument; when the woman takes that place the high notes seem to bang out on

the piano like bullets from a weapon. This is less about a gender struggle and more about the basic human struggle to communicate, negotiate and maintain harmony. In this video, as in The Drawers, small actions—here located only in the protagonists’ mouths—signify huge psychological leaps. Sartori is drawing with her performers, albeit creating invisible and ever shifting lines.




 recensione di Eleonora Minna su Exibart

Fino al 30.XI.2013
Mariateresa Sartori
You are the music while the music lasts, Galleria Michela Rizzo, Venezia
Osservare lo sguardo e ragionare sul suono. A Venezia una mostra in cui video, disegni ed installazioni si alternano ritmicamente nello spazio, ricomponendo la ricerca recente dell’artista

pubblicato sabato 16 novembre 2013

Ogni volta che si parla di decostruzione di un linguaggio si finisce per chiamare in causa la semiotica e l’esattezza di ogni sistema modernamente inteso. Mariateresa Sartori (Venezia, 1961), sa che l’analisi di ogni segno rischia di cadere nel vuoto della forma, ma si ferma quell’attimo prima, tale da non farle perdere una sana freschezza.
Mariateresa Sartori, You are the music while the music lasts.
Sana freschezza che si ritrova, ad esempio, nelle riflessioni sul linguaggio musicale degli ultimi anni presentate alla Galleria Michela Rizzo.
Ogni parlante ha una propria musicalità, un timbro sonoro; ne Il concerto del mondo diversi strumenti musicali mimano toni e ritmi delle conversazioni di undici coppie, legandoli in un contrappunto musicale che ha la sua ragion d’essere e che segue regole parallele, eppur diverse, da quelle del linguaggio vocale. Al visitatore sono date due possibilità: può muoversi nella decodificazione dei parlanti, cercare di immaginarne contesto e toni, oppure seguire il concerto come semplice poesia, pura forma musicale sdoganata da quei contenuti che in ogni caso rappresentano il pretesto dell’opera. Un approfondimento in questa direzione avviene in Studio n.10 in Si minore op.25. Omaggio a Chopin, dove una coppia “parla” le note musicali, al punto che non interessa più togliere il coperchio sonoro per decifrare il linguaggio, è tutto già lì.
Lo sguardo dei disegnatori, un video e un progetto grafico, non è solo una riflessione sulla didattica: nel primo, a grandezza naturale, un gruppo di allievi è colto al lavoro. Il punto di vista è molto ribassato tale che l’oggetto del disegno resta sconosciuto e l’osservatore può vivere l’esperienza di immedesimarsi nell’oggetto veduto. Entra qui in ballo quella distinzione tra vedere ed esser visti di Merleau Ponty che Raffaele Gavarro chiama in causa nel suo testo. Ora il centro dello sguardo è diventato lo sguardo stesso: Mariateresa Sartori prende quello sguardo e lo trasforma in un motivo, dandogli un nome. Come? Ricalcandone su un monitor un minuto e 15 secondi di sguardo dei disegnatori: la concentrazione diventa movimento e la linea segno perché apre a diversi spunti come il grado di attenzione, il pensiero creativo, il movimento congiunto dello sguardo e del cervello. Ma ogni segno così ottenuto ha un suo nome e cognome, oltre la semiotica.
Eleonora Minna
mostra visitata il 20 ottobre 2013








Etude N.10 op. 25 Homage to Chopin 20212022-06-07T09:35:44+00:00